2.9.11
Bridge Over Troubled Water (1970)
Uno de los mejores y más vendidos discos de los 70's es Bridge Over Troubled Water de Simon & Garfunkel. Este es el quinto trabajo del dúo que ya para ese entonces se había ganado la reputación a través del antecesor Bookends (1968). En esta producción se encuentran álgunos clásicos como la inmortalmente bella "Cecilia", la mejor compañia para las lluvias de otoño "Bridge Over Troubled Water", la sensiblemente dulce "The Boxer" y el cover en vivo de "Bye Bye Love" del cantante country Boudleaux Bryant. No obstante, se advierte la influencia Beatles en la simpática "Baby Driver" así también como la The Byrds en la sabia "Keep the Customer Satisfied". Por supuesto que Simon & Garfunkel dejaron sembradas las melodías nostálgicas y agridulces para que artistas como Carly Simon, The Mamas & The Papas y James Taylor la recogieran poco tiempo después. Esta es una obra artesanal que refleja claramente la música que invadía los 60's y comienzos de los 70's.
Por Leo Juiz
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27.8.11
Apocalypse (2011)
El ex frontman de Smog, Bill Callahan, vuelve a escena con un nuevo trabajo. Apocalypse es el tercer disco de estudio del cantante de Maryland. Si bien, aquí hay alguna referencia musical con el último álbum de Smog, A River Ain't Too Much to Love (2005), la observación introvertida que Callahan hace sobre los mitos americanos y los propios es tan irónica como reflexiva. La inicial "Drover" muestra a un Callahan en un tono menor, acompañado de manera soberbia por Matt Kinsey en guitarra y Gordon Butler en violín. Mismo tono para "Baby's Breath" pero con una tensa acústica y afiladas guitarras eléctricas que ocupan majestuosamente el espacio musical. En la hipnótica "America!" Callahan nombra a sus héroes musicales: Kris Kristofferson, Mickey Newbury, George Jones y Johnny Cash, mientras surfea por olas repetitivas colmadas de blues distorsionado. La parte melódica de Apocalypse llega con la bella "Riding for the Feeling" en donde Jonathan Meiburg (Okkervil River) se destaca en piano eléctrico y Wurlitzer. Solamente con 7 tracks Callahan logra exponer un ábum completamente soberbio y ambicioso.
Por Leo Juiz
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24.8.11
Hotel Shampoo (2011)
Quién es Gruff Rhys, te preguntarás. Es el líder de la banda galesa Super Furry Animals. Y acaba de editar su tercer álbum solista bautizado Hotel Shampoo, el cual exhibe en su portada una colección importante de shampoos recogidos en distintos hoteles. Este es un disco de canciones dulces y frescas que evoca al pop fino de Burt Bacharach y a la psicodélia soleada de los 70's. Las texturas de las piezas toman giros inesperados a merced de las melodías confeccionadas por arreglos coloridos y dispares. Los tracks más burbujeantes son la hermosa y sensible "Shark Ridden Waters", la ambiciosa y extravagante "Sensations in the Dark" cuyas trompetas son puro ingenio y la simpática "Honey All Over" cuyos coros evocan inevitablemente a los Beach Boys. En tanto, la balada hipnótica y sensual "Take a Sentence", la bella y nocturna "Space Dust #2" con la dulce compañia de Sarah Assbring de la banda El Perro del Mar y la cerebral y sentida "At the Heart of Love" son canciones para acondicionar climas apacibles. Shampoo Hotel es un álbum que fluye con facilidad, com momentos bipolares pero brillantes.
Por Leo Juiz
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16.8.11
Mayhem (2010)
Imelda May es una talentosa cantante nacida en Dublín, Irlanda. Mayhem es su segundo disco, sucesor del estupendo Love Tattoo (2009) que acaparó la atención de Jools Holland, entre otros, para llevarla con el de gira por Europa. En esta nueva producción May abre aún más el espectro musical animandosé a hacer algunos números de jazz, rockabilly, vals, country y hasta una melodía con canto fúnebre que como viene de ella, que tiene mucha vitalidad, no es tan deprimente. La producción corre por cuenta de Andy Wright (Simply Red, Eurythmics) y Gavin Goldberg ( Mick Hucknall) haciendose responsables de que las canciones sean bulliciosas y enérgicas, románticas y exuberantes. La inicial "Pulling the Rug" lo explica correctamente. Luego el track que le da título a la placa podría ser el soundtrack de una película de gangters desarrollada en los años 30's. La encantadora "All for You" bien podría ambientar un restaurant de Puerto Madero con vista al río. Bueno, pero si en realidad, buscabas un country bien tocado y con cierta frescura disfrutálo con "Eternety". Ah, querías rockabilly juguetón escucha "Sneaky Freaky". Ok, una balada melancólica que podría ser más triste aún que una de Nick Cave, explora en "Too Sad to Cry". Sin dudas, que Mayhem es una placa fresca y vigorizante que valió la pena esperar su edición local después de un año de la publicación mundial.
Por Leo Juiz
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7.8.11
Angles (2011)
El disco más esperado del año es Angles, el nuevo trabajo de los Strokes. Es que desde Firsts Impressions on Earth (2006) para acá cada integrante de la banda hizo su propia aventura. El que más trabajó fue Albert Hammond Jr. que editó dos trabajos dignos: Yours to Keep (2006) y Como te Llama (2008). En tanto, Julian Casablancas salió a la calle con Phrases for the Young (2009), recibiendo buenas críticas, y el bajista Nikolai Fraiture fundó la banda Nickel Eye y registró el álbum The Time of Assassins (2009). Mientras que Nick Valenti y Fabrizio Moretti se tomaron 5 años sabáticos de modorra absoluta. Por eso, es bien recibida la vuelta al ruedo de una de las mejores bandas de la liga neoyorquina. El cuarto disco de The Strokes tiene la particularidad de haber sido grabado en dos etapas. La música y parte de las letras fue diseñada en New York por Hammond Jr., Valenti, Fraiture y Moretti. En tanto, Casablancas desde Los Angeles se encargó de poner su voz y de hacer algunos retoques compositivos. La placa arranca con "Machu Picchu" una especie de reggae a la Vampire Weekend que se va mutando a través de las punzantes guitarras de Hammond Jr. En seguida, "Under Cover of Darkness" la cual es enérgica y volátil, intensa y crujiente que evoca inevitablemente a "Last Night". En tanto, "Two Kinds of Hapiness" es una inspiración de como sonarían hoy los Talking Heads. Una de las maravillas del álbum es "Taken for a Fool" en donde suenan espontáneos y arrogantes, mientras que en "Gratisfaction" se acercan a la música hecha en los 70's por Billy Joel y en tanto, en los coros rememoran a los inmortales Status Quo. Ciertamente, Angles a pesar de ser un disco poco natural cubre con las expectativas.
Por Leo Juiz
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24.7.11
Last Night on Earth (2011)
El cuarteto folky de Londres, Noah and The Whale comenzó a llamar la atención de los británicos con su disco debut Peacefull, the World Lays Me Down (2008) que tenía el single "5 Years Time" conocido aquí gracias a la publicidad de la bebida Aquarius by Cepita. Luego con The First Days on Spring (2009) la mirada del público hacia ellos comenzó a expandirse hacia el resto de Europa y US también. En aquel álbum, el frontman Charlie Fink manifestaba abiertamente su dolor por la fallida relación amorosa con la ex-compañera de grupo, la cantante y compositora Laura Marling, quien nos visitó en el último Quilmes Rock. En tanto, con Last Night on Earth salen de la escena indie folk de Inglaterra y se introducen al brit-pop de manera brillante, capáz de causar envidia a artistas de la talla como Neil Hannon o Jarvis Cocker. La banda a través de sus canciones se halla completamente felíz de explorar nuevos territorios. Temas como la inicial "Life Is Life", la cual rememora a Bryan Ferry desde su melodía roxyniana, o la siguiente "Tonight's the Kind of Night" con un estribillo contagioso, exquisito y sobre todo optimista certifican la buena vibra. "L.I.F.E.G.O.E.S.O.N" es una hermosa pieza que engloba perfectamente las voces múltiples del coro, la melodía suave de la guitarra y la voz amable de Fink. En "Old Joy" Fink sentencia: "You'll sing day by day, old joy come back to me..." teléfono Laura. Mientras que en "Just Me Before We Met" Fink se haca pasar por Matt Berninger de The National por ese uso melancólico y grave en su voz. Desde melodías tenues y joviales, dulces y brillantes Last Night on Earth ofrece momentos épicos.
Por Leo Juiz
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17.7.11
Different Gear, Still Speeding (2011)
Como sabrán Oasis no va más. Tras un largo tiempo en estado crítico, por reiteradas peleas entre los hermanos Gallagher, la banda le puso punto final. Ahora bien, si sos fanático y no podés soportar semejante tragedia, a no ponerse triste porque una parte mayoritaria de Oasis formó Beady Eye. Es decir: Liam Gallagher, Gem Archer, Andy Bell y Chris Sharrock. Mientras que Noel saldrá con nuevo material en el mes de noviembre. Así tenés producciones nuevas por partida doble. Si Oasis te parecía una mierda (así lo calificó un amigo, saludos!) tendrás que poner el oído apuntando hacia otro lado porque desde Gran Bretaña de lo único que se habla es de los Gallagher. No obstante, Different Gear, Still Speeding es un álbum irreverente y enérgico, provocador y cínico que marca verdaderamente la diferencia entre el gusto de Liam por la música de los 60's y la inclinación por lo contemporáneo de Noel. El primer corte del disco fue "The Roller" en donde Liam vuelve a ser John Lennon. Desde "The Hindu Times" de Heathen Chemistry (2002) que los Gallagher no aportaban un hit tan encantador. Ciertamente, en este álbum se advierte más frescura en sus canciones que en los últimos trabajos de Oasis. Como el boogie-woogie rabioso y excitante "Bring the Light", la fenomenal "Beatles and Stones" que suena más a The Kinks que a los del título. "For Anyone" es tan soleada como jovial y la balada mid tempo "Wigwan" es la coronación del disco, la frutilla del postre. Exquisita canción. Beady Eye le restituye a Liam el título de estrella de rock & roll que estaba un poco opacado por su hermano Noel y por la falta de desfachatez y rebeldía en su anterior proyecto.
Por Leo Juiz
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Miles Kane - Colour of the Trap
9.7.11
The King of Limbs (2011)
El nuevo álbum del quinteto de Oxford es al menos corto (8 tracks) y decepcionante. Después de hacer uno de sus mejores trabajos como lo fue In Rainbow (2008), Radiohead lanza The King of Limbs una obra tenue y efímera. Con el mismo formato de descarga que el antecesor (paga lo que quieras), y también con la tradicional edición en vinilo y cd, esta placa provoca hambre de música. No llena. Pués, que pasó? Donde están esas increíbles canciones capaces de volarte la imaginación y la cabeza detrás? Aquí no. Aquí todo es austero. Las canciones se desvanecen como una montaña de arena. A pesar de algunos buenos momentos como la impulsiva "Little by Little", la artesanal "Lotus Flower" en la cual tejen texturas digitales con loops copiosos y efectivos y guitarras suaves y armoniosas el álbum carece de sorpresa y deleite. La sugestión cabe además para "Codex" donde la frialdad de la banda se funde un poco al crear un ambiente íntimo y seductor y también para la concluyente "Separator" una digna canción sin sonidos artificiales, con instrumentos reales.
Por Leo Juiz
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Elbow - Build a Rocket Boys!
29.6.11
Build a Rocket Boys! (2011)
Después de realizar un discazo como The Seldom Seen Kid (2008), ganador del premio británico Mercury Prize a mejor álbum del año, no era una tarea fácil para este quinteto de Manchester sostener esa búsqueda instropectiva de climas hipnóticos y composiciones innovadoras que aseveran que Elbow es la nueva banda de culto inglesa. Aquí en Build a Rocket Boys! el cantante y máximo compositor Guy Garvey intenta dar un salto hacia el mainstream para que la banda luzca estás grandiosas canciones en estadios colmados. Y saben que, lo logran ampliamente. Los temas están hechos en formato himno, compuestos por guitarras que flotan en el aire, órganos vintage, percusión orquestal y el ambiente eco del estudio. La inicial y hermosa "The Birds" es un fiel reflejo de esto. También la melancóñica y agridulce "Lippy Kids" capáz de paralizar las noches. No obstante, en "High Ideals" los instrumentos sobrevuelan territorios de trip-hop y conviven con sonidos de medio oriente. En "The River" un coro gospel acompaña maravillosamente a Garvey en una de las mejores canciones de la agrupación. La melodía exuberante y las voces triunfales sentencian a "Open Arms" como el track épico del año. Indudablemente. el trono ocupado por Coldplay como banda de rock melanco acaba de ser derrocado por Elbow.
Por Leo Juiz
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22.6.11
Smoke Ring for My Halo (2011)
Kurt Vile es un cantante y songwriter de Philadelphia perteneciente a la escena indie rock. En tanto, Smoke Ring for My Halo es el tercer trabajo de este multi-instrumentista lo-fi que sabe ser cínico desde las letras y melancólico desde la música. En pocas palabras aquí se exhibe una canalización musical que va de los Grateful Dead, pasando por la era Mellow Gold de Beck hasta Lou Reed. Por otra parte, el disco cuenta con la producción y mezcla de John Agnello (Sonic Youth, Dinosaur Jr.) que mete algo de bruma al folk urbano de Vile. El álbum abre con una canción de amor, "Baby's Arms", en la cual Vile muestra un lado conmovedor y dulce que en el antecesor Childish Prodigy (2009) no cabía. En "Peeping Tomboy" la voz extenuada contrasta con la sabiduría de sus dedos en la guitarra. Mientras que en "Puppet to the Man" la guitarra tiene olor a New York (Lou Reed, Sonic Youth). Una de las canciones más bellas de este compositor de letras reflexivas y soñadoras se encuentra aquí y es: "Jesus Fever". Aunque la cerebral "On Tour" no se queda atrás. Realmente, Smoke Ring for My Halo es un disco pesimista y hasta pasado de moda, pero para las noches con amigotes y drinks es una grata compañía.
Por Leo Juiz
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19.6.11
The People's Key (2011)
El cantante, guitarrista y songwriter Conor Oberst volvió a editar nuevo material con el seudónimo Bright Eyes. Después de grabar dos discos con su otra banda The Mystic Valley Band y uno con los Monster of Folk, integrado por Mike Mogis, M. Ward y Jim James, Oberst retorna con The People's Key sucesor del genial Cassadaga (2007). Este es un álbum de canciones concisas que intenta ser ambicioso pero sin peso en las letras. Algo que no nos tenía acostrumbrado Oberst, ya que es uno de los mejores compositores surgidos en este siglo. En la inicial "Firewall" y en la que cierra la placa "One for You, One for Me" la narración irresoluta de un locutor incita a adelantar el disco hasta que llegue la música. No obstante, la incursión de sintetizadores analógicos en algunas canciones como la agridulce "Shell Games" y la compleja "A Machine Spiritual (In the People's Key)" es una propuesta interesante. Ciertamente, es difícil elegir una canción que esté por encima del resto. Pero nombrar a "Jejune Stars", en donde Oberst se hace pasar por Alex Turner de los Arctic Monkeys, entre lo más sugestivo es lo más justo. The People's Key es el álbum más pop de Oberst pero también el menos comprometido.
Por Leo Juiz
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12.6.11
The King Is Dead (2011)
El sexto álbum de la banda comandada por Colin Meloy es el más distinto a los anteriores trabajos. The King Is Dead explora territorios sembrados de alt-country, con vientos proveniente de Robyn Hitchcock y Fairport Convention, y además certifica la adoración de Colin por R.E.M., no sólo en lo musical, sino por la invitación de su guitarrista Peter Buck en tres temas. Ellos son: la inicial y encantadora "Don't Carry It All", en donde el invitado toca la mandolina; la osada "Calamaty Song", una especie de segunda parte de "So, Central Rain (I'm Sorry)" de Reckoning (1984) y "Down by the River" que cualquier similitud con "The One I Love" es pura coincidencia. Lo mejor del disco lo aportan canciones de tono dramático y reflexivo como la sentida "June Hymn" con la cantante folk Gillian Welch haciendo un gran aporte en coros y la bella "Rise to Me" causante de envidia en compositores como Ryan Adams o Michael Timmins de los Cowboy Junkies. En definitiva, The King Is Dead es un disco que está por debajo de los antecesores The Crane Wife (2006) y The Hazards of Love (2009), pero que intenta abrirse por nuevos caminos y a veces lo hace de manera interesante. Así que Meloy a no bajar los brazos.
Por Leo Juiz
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4.6.11
Collapse into Now (2011)
Después de algunas obras fallidas como Up (1998) y Around the Sun (2004), el trío R.E.M. volvió a enderezar el rumbo con Accelerate (2008) un disco con canciones de carácter urgente y complejo bajo el dominio de la guitarra de Peter Buck. En definitiva, el álbum más rockero de los de Athens. Pero aquí en Collapse into Now la banda se introduce en sus entrañas buscando sonidos y melodías inadvertidas antes o simplemente explotar aún más su música agridulce, orgánica, y por momentos, excéntrica. Tal vez haya de las dos cosas. Porque mucho suena como Automatic for the People (1992) o Document (1987) aunque la frescura, la energía y la pasión que hay aquí es inagotable. La mejor canción, no sólo del disco sino de los últimos 15 años, es "Überlin" cuya melodía es tan hermosa que entra facilmente por cualquier oído logrando quedarse por varias horas en la cabeza. Por si fuera poco el aporte que hacen los músicos invitados es notable. Por ejemplo, en la punky "Alligator_Aviator_Autopilot_Antimatter" la participación de Peaches es vital sin ella sería una canción más. Mientras que en la emotiva "It Happened Today" la aparición breve de Eddie Vedder para poner una onomatopeya de sufrimiento sobre el final deja ganas de mas Vedder. Otra vez Stipe convocó a su amiga Patti Smith, ya lo hizo para Out of Time (1991), para que realice los coros. Y ella lo hace de manera genial en la bella "Blue", mientras Stipe habla por megáfono, y en la potente "Discoverer" de modo discreta. Promediando el disco hay un trío de estupendas canciones al hilo capaces de ofrecer dulzura ("Walk it Back"), excitación ("Mine Smell like Honey") y conmoción (Every Day Is Yours to Win") en pocos minutos. Desde la salida de Bill Berry, en 1997, que R.E.M. no realizaba un álbum tan R.E.M.
Por Leo Juiz
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29.5.11
The Lady Killer (2010)
Ahora sí. Este es el último disco del año 2010 que subo. The Lady Killer es el tercer trabajo de Cee Lo Green como solista. Antes de realizar junto a Danger Mouse, aquellos dos notables discos: St. Elsewhere (2006) y The Odd Couple (2008) bajo el nombre Gnarls Barkley, el cantante de Atlanta había lanzado sus primeras dos placas Cee Lo Green and His Perfect Imperfections (2002) y Cee Lo Green... Is the Soul Machine (2004). Pero ninguna de estas dos es tan buena como The Lady Killer. Cee Lo muestra un dominio absoluto del R&B, del soul y también del hip-hop como muy pocos lo hacen. Aquí se encuentran grandes hits como "Bright Lights Bigger City" la cual contiene un bajo "sacado" de "Billy Jean" de Michael Jackson y la funky "Forget You" con su simpático uuuhh, uuuhh en los estribos. En la testimonial "Wildflower" convive la melancolía por perder a la chica y la esperanza por recuperarla. Mientras que en la contagiosa "Fool for You" es ineludible la influencia de Ray Charles. En cambio en la sentida "I Want You" aparece por primera vez en el disco sus verdaderos dotes vocales. Por último, mencionar a la infecciosa "Cry Baby" y tildarla de juguetona y encantadora es lo más apropiado. Aquí queda comprobado el talento y el conocimiento de uno de los artistas nuevos de la movida soul que más suena en las radios del norte.
Por Leo Juiz
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22.5.11
Shadows (2010)
No quería pasar por alto el noveno álbum de los Teenage Fanclub lanzado a mediado del año pasado. Ciertamente, el trío de cantantes y compositores conformado por Norman Blake, Gerard Love y Raymond McGinley realizó otro notable disco como aquel llamado Howdy! (2000) y que además, continúa la línea de canciones cálidas y relajadas como el antecesor Man-Made (2005). Este es un trabajo donde el pop clásico gobierna a casi todas las canciones. Como también la ironía y la reflexión lo hace en las letras. Evidentemente, la influencia de Tom Petty en la voz de Blake y en la música en particular es voluntaria pero noble. Chequeálo en el folk estilo 70's denominado "Baby Lee". En tanto, en la melancólica "Dark Clouds" se acercan a bandas como Fleet Foxes o Band of Horses. El pop/country de "Into the City" acompaña perfectamente las tardes soleadas de otoño. Otro grato momento lo brinda la inicial "Sometimes I Don't Need to Believe in Anything" que contiene capas construidas por synths, flauta, cuerdas e instrumentos de viento. El cierre está a cargo de la humeante "Today Never Ends" cuya psicodelia country-rock rememora a los Cowboy Junkies. En verdad, nunca está de más tener un disco con canciones relajadas y conmovedoras como estas.
Por Leo Juiz
Tracklist:
1- Sometimes I Don't Need to Believe in Anything / 2- Baby Lee / 3- The Fall / 4- Into the City / 5- Dark Clouds / 6- The Past / 7- Shock and Awe / 8- When I Still Have Thee / 9- Live With the Seasons / 10- Sweet Days Waiting / 11- The Back of My Mind / 12- Today Never Ends.
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14.5.11
No Better Than This (2010)
Sé que casi estamos a mediado de año pero no quería pasar por alto un par de discos surgidos el año pasado los cuales sería un despojo grande no subirlos y disfrutarlos. Uno de ellos es No Better Than This del cantante y songwriter nacido en Seymour, Indiana, John Cougar Mellencamp. Este álbum tiene algunas particularidades que llaman la atención. A saber: el sonido es mono y fue registrado en vivo en una grabadora Ampex 501 cosecha 1955, con un sólo micrófono y sin mezcla. La producción corre por cuenta del genial T- Bone Burnett (Robert Plant & Alison Krauss; Elvis Costello; B.B. King) quien hace un trabajo sobresaliente. Además, hay tracks grabados en la primer iglesia afro-americana construida en U.S. Puntualmente en 1802 en Savannah, Georgia. También hay registros hechos en la habitación 414 del hotel Gunter de San Antonio, Texas, en donde Robert Johnson grabó "Stones in My Passway" en 1936. Bien, hecha la aclaración nos compenatramos en los temas. La inicial "Save Some Time to Dream" libera olor a viejo y sacude polvo, sin embargo todos tus sueños caben perfectamente en esta bella canción. Si Carl Perkins viviera un rockabilly hecho por él sonaría como "Each Day of Sorrow". En tanto, en la balada country "Don't Forget About Me" Mellencamp sale fortalecido, erguido y sin limitaciones. La melancolía en la letra de "No One Cares About Me" es tan genial como la evocación desde el sonido a Johnny Cash. Por último, en "Love at First Sight" Mellencamp solo con su guitarra realiza una de las mejores canciones de amor que jamás haya escrito. Ciertamente, nunca me terminaron de convencer las obras de este cantante, pero cuando menos lo esperaba me tapó la boca con este discazo.
Por Leo Juiz
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13.5.11
Kaputt (2011)
El noveno álbum de estudio de Destroyer es de lo mejor que salió en el primer trimestre de este año. Aquí en Kaputt el cantante y compositor Dan Bejar, también integrante del colectivo canadiense The New Pornographers, ofrece un pop artesanal con guiños a la new wave que linkea indiscretamente con Bryan Ferry, David Bowie y T. Rex. También hay incinuaciones a la música ambient, al pop bailable de Goldfrapp y a melodías sombrías que rememoran a The Cure. Todas estas referencias las encontrarás en canciones como "Savage Night at the Opera"; "Chinatown" y "Suicide Demo for Kara Walker". No obstante, la melancólica "Poor in Love" contiene un dramatismo tan teatral como elegante. En tanto, el track que da título a la placa es una de las mejores composiciones del canadiense, en donde se hace pasar por Neil Tennant de los Pet Shop Boys. Ciertamente, el papel del saxo en casi todas las pistas reluce a Kaputt. Un disco ambicioso de un artista inquieto.
Por Leo Juiz
Tracklist:
1-Chinatown / 2- Blue Eyes / 3- Savage Night at the Opera / 4- Suicide Demo for Kara Walker / 5- Poor in Love / 6- Kaputt / 7- Downtown / 8- Song for America / 9- Bay of Pigs (Detail).
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1-Chinatown / 2- Blue Eyes / 3- Savage Night at the Opera / 4- Suicide Demo for Kara Walker / 5- Poor in Love / 6- Kaputt / 7- Downtown / 8- Song for America / 9- Bay of Pigs (Detail).
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7.5.11
12 Songs (1970)
Es probable que no conozcas las geniales obras de este cantante y compositor californiano realizadas allá por la década de los 70's. Tal vez, tampoco sepas que hace unos 20 años este tipo con lentes de armazón grueso se viene dedicando a hacer la música para varias películas de animación como: Toy Story 1, 2 y 3; Monster Inc y A Bug's Life y también reconocidos films como Meet the Fockers y Leatherheads. Ahora lo que no se puede pasar por alto es este segundo álbum de este notable artista influenciado por Bob Dylan, pero sobretodo, por la corriente de R&B venida de New Orleans. 12 Songs es un disco de carácter irónico e irreverente con melodías sofisticadas cargadas de elegancia sureña y sutileza bluesera. Las mejores referencias son la ominosa "Let's Burn Down the Cornfield", la astuta "Mama Told Me Not to Come" y la bella "Suzanne" las cuales representan perfectamente a la ciudad más grande de Luisiana. También aquí se encuentra una de las mejores canciones de Newman, "Yellow Man", una clara mención a los prejuicios raciales. Bien, ya sabés quien es y cual es uno de sus trabajos más notable de este gran compositor, es hora que lo descargues. Que esperás?
Por Leo Juiz
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